Film: ‘Café Society’

CAFE’ SOCIETY

Titolo Originale: Café Society

Nazione: USA

Anno: 2016

Genere: Commedia, Sentimentale

Durata: 96’ Regia: Woody Allen

Cast: Jesse Eisenberg (Bobby Dorfman), Kristen Stewart (Vonnie Sybil), Steve Carell (Phil Stern), Blake Lively (Veronica Hayes), Parker Posey (Rad Taylor), Jeannie Berlin (Rose Dorfman), Stephen Kunken (Leonard), Sari Lennick (Evelyn Dorfman), Ken Stott (Marty Dorfman), Corey Stoll (Ben Dorfman), Anna Camp (Candy), Paul Schneider (Steve), Sheryl Lee (Karen Stern), Tony Sirico (Vito), Max Adler (Walt), Don Stark (Sol), Gregg Binkley (Mike), Steve Rosen (Louis), Craig Walker (Moe), Anthony DiMaria (Howard Fox), Saul Stein (Danny), Penelope Bailey (Sig.ra Diamondstein), Lev Gorn (Eddie Diamondstein), Eric Rizk (Frank)

TRAMA: Bobby Dorfman è il figlio minore di una famiglia ebrea che vive a New York. Suo fratello Ben è un gangster che si è fatto strada senza farsi tanti scrupoli ed è diventato proprietario di un locale notturno. Bobby ha deciso di cercare fortuna nella west coast, attirato dalle prospettive di Hollywood dove suo zio Phil è diventato l’agente di molte star del cinema. Phil ha un lussuoso ufficio e possiede una splendida villa dove vive con la moglie e ospita tutto il meglio del jetset. Un telefonata della sorella Rose anticipa l’arrivo di Bobby, che è un ragazzo a modo, educato, sensibile e voglioso di mettersi alla prova. Lo zio lo accoglie però come un peso e lo affida alla segretaria Vonnie affinché lo introduca nell’ambiente ed intanto gli affida lo sbrigativo ruolo di fattorino. Bobby è rimasto incantata da Vonnie sin dal primo momento in cui gli è apparsa di fronte ed attende con impazienza l’arrivo del weekend per poterla rivedere. Non immagina ancora però che lei è l’amante di Phil. Siccome quest’ultimo è spesso in viaggio di lavoro, Vonnie e Bobby passano molto tempo assieme, non solo durante il fine settimana. A Bobby sembra di non aver mai incontrato una ragazza come Vonnie: bella, dolce, umile, simpatica e sensibile ed anche lei si trova molto a suo agio con lui, ma si nega quando Bobby tenta un approccio dicendogli genericamente che è già fidanzata con un giornalista. Phil ha promesso a Vonnie di lasciare la moglie ma poi non trova mai il coraggio di mettere in pratica il proposito. Nel frattempo Bobby ha guadagnato in stima, ha conosciuto alcuni personaggi che contano nell’ambiente del cinema e Phil lo ha promosso a leggere sceneggiature. Per festeggiare, propone a Vonnie una cena in un bel ristorante ma lei si offre di cucinare nella casa di lui. Bobby ha accettato ed imbandito la tavola a lume di candela quando riceve la telefonata di lei che si scusa di non poter mantenere l’impegno. In realtà Phil è tornato prima del tempo e l’ha invitata in un ristorante dove lei gli dona una lettera d’amore che aveva scritto Valentino, ma lui imbarazzato e addolorato, le confessa che ha deciso di lasciarla. Vonnie allora torna da Bobby in lacrime, raccontandogli di essere stata appena lasciata dal suo fidanzato e lui la consola, ma la notizia ovviamente non gli ha fatto granché dispiacere. Il loro rapporto ben presto s’intensifica ed infine Vonnie accetta la corte di Phil e quando lui le confida di essere rimasto deluso dell’attività che svolge a Hollywood e di rimpiangere la più semplice e pratica città di New York, proponendole di sposarlo ed andare a vivere con lui al Greenwich Village, dove si trovano tanti poeti ed artisti, lei sembra propensa ad accettare. Phil però ha infine deciso di lasciare la moglie e si confida con Bobby. Durante il colloquio capisce a sua volta che è Vonnie la donna con la quale Bobby sta progettando di tornare a New York. Nell’ufficio di Phil poco dopo Bobby scopre in bella mostra la lettera di Valentino ed allora anche lui capisce l’imbarazzante triangolo amoroso nel quale si trovano. Vonnie ora lavora al servizio accoglienza di un locale e quando Bobby la raggiunge e le chiede spiegazioni, lei gli rivela di aver deciso di sposare Phil. Bobby allora torna a New York da solo e accetta di lavorare nel locale del fratello Ben, che è diventato nel frattempo un punto di riferimento dei personaggi più in vista della città. Bobby se la cava molto bene nel nuovo ruolo d’intrattenitore ai tavoli e nel frattempo si è sposato con Veronica, che ha conosciuto proprio lì una sera e dalla loro unione è nata una bambina. Un giorno si presentano nel locale Phil e Vonnie, assieme ad una coppia di amici e Bobby, che non l’ha mai dimenticata, imbarazzato e per una volta stranamente poco loquace, nota come è cambiata nel frattempo negli atteggiamenti, che sono diventati snob come quelli che una volta lei stessa criticava. Vonnie però trova l’occasione per rivederlo separatamente dagli altri e lo invita a passare un pomeriggio assieme, dato che Phil ha intenzione di fermarsi a New York qualche giorno ed è sempre pieno d’impegni. Gli incontri fra loro si ripetono anche nei giorni successivi, come se fossero tornati indietro nel tempo e nonostante siano entrambi felicemente coniugati e le scelte di un tempo li abbiano portati a vivere vite separate, ammettono a vicenda di non aver mai smesso di pensare l’una all’altro. Ben, nel frattempo, è finito sulla sedia elettrica perché i suoi crimini sono stati scoperti. Ma fra Vonnie e Bobby la storia è davvero finita?  

VALUTAZIONE: nonostante abbia superato gli ottant’anni, Woody Allen non ha perso la voglia di fare cinema di qualità. In quest’opera sono riassunte tutte o quasi, come in un riepilogativo della sua carriera autoriale, le doti che lo contraddistinguono: la contrapposizione fra gli anni ruggenti di Hollywood e le atmosfere compassate di New York, i dialoghi brillanti, le battute fulminanti e l’ironia delle situazioni, l’eleganza formale delle scenografie e della fotografia, le immancabili note della musica jazz e la capacità di saper scegliere ogni volta gli interpreti ideali. Una garanzia insomma, con Kristen Stewart che entra di diritto nel novero dei personaggi che fanno innamorare, non solo il partner nella finzione scenica, ma anche lo spettatore. Un’opera godibilissima ed un’altra prova di gran classe da parte di un maestro della settima arte.

 ‘Vivi ogni giorno come se fosse l’ultimo e un giorno ci azzeccherai…  

Dopo quasi cinquanta film da lui diretti in altrettanti anni circa, Woody Allen alla veneranda età di ottantatré primavere sembra ancora un giovanotto, perlomeno dal punto di vista autoriale e deve aver fatta sua la frase riportata qui sopra (ambiguità inclusa rispetto al banale significato letterale della stessa: ci avrà azzeccato il destinatario quando arriverà, ed è inevitabile, l’ultimo giorno? Oppure ci azzeccherà – a raggiungere i suoi obiettivi – lavorando ogni giorno come se fosse l’ultimo?), che Rose Dorfman (interpretata da Jeannie Berlin) scrive al figlio Bobby. Non solo, imperterrito, l’attore/regista newyorchese dirige ancora un film all’anno, ma non mostra neppure il minimo cedimento e continua a sfornare opere di ammirevole gusto estetico e di gradevole impianto narrativo. ‘Café Society‘ ne è il terzultimo esempio e sulle diverse interpretazioni degli eventi che si susseguono ha fissato il senso stesso della sua opera.

Il film ha inaugurato il Festival di Cannes del 2016 ed è il primo girato in digitale da Woody Allen. Inizia alla stregua di un romanzo: ‘C’era una volta…‘ e la voce fuori campo del narratore che presenta alcuni dei personaggi e l’ambientazione. Il mondo dorato di Los Angeles, abbinato a quello spesso frivolo del cinema Hollywoodiano, messo a confronto della più seriosa e compassata New York degli anni ruggenti post crisi del 1929 e che fanno da cornice ad una vicenda che contiene, come una sorta di riassunto autoriale, molti dei connotati tipici del cinema di Woody Allen e che ce lo hanno fatto apprezzare nel corso della sua lunga carriera. Che pure ha visto varie fasi, anche abbastanza lunghe e parecchio distanti fra loro, dal punto di vista stilistico, umorale e dei contenuti.

Basta scorrere velocemente la sua filmografia per rendersi conto del divario che corre, di genere e dal punto di vista dei toni fra opere come ‘Prendi i Soldi e Scappa‘, ‘Io e Annie‘, ‘Interiors‘, ‘Manhattan‘, ‘La Rosa Purpurea del Cairo‘, ‘Alice‘, ‘Accordi e Disaccordi‘, ‘Match Point‘ e ‘Midnight in Paris‘ (clicca sui titoli di diverso colore se vuoi leggere il mio commento al film relativo) e persino quella in oggetto, con l’attore/regista capace di svariare dal comico, alla satira; dalla commedia, al dramma; dallo psicologico/cerebrale, al giallo/thriller, senza però mai eccedere in posizioni troppo esagerate e pretenziose. Sempre però fedele ad una costante, ovvero la battuta fulminante, che riesce a sintetizzare, in una o poche parole, pensieri e considerazioni anche molto profonde, oppure a cogliere con ironia alcune contraddizioni sociali e caratteriali, nelle quali prevale di volta in volta la nota amarognola, quella beffarda, quella geniale, senza però mai scendere sul piano del volgare oppure dell’esasperazione ideologica.

Un’altra inconfondibile caratteristica del cinema di Woody Allen è quella di saper cogliere il lato satirico di eventi e situazioni che nei fatti sono invece di solito molto seri, di origine sociologica o religiosa, o peggio ancora addirittura drammatici, non esclusi persino quelli di natura criminale. Mi riferisco, ad esempio e nel caso dell’opera in oggetto, a come il regista newyorchese riesca con ammirevole sintesi tragicomica, a rappresentare, senza mai sottovalutarne, o peggio ancora sminuirne, gli aspetti più deteriori, i tratti caratteriali di Ben, il fratello maggiore del protagonista Bobby ed i momenti più sanguinosi contenuti nella trama che riguardano almeno due omicidi a sangue freddo ed altrettanti assassinii che si concludono con la sparizione dei cadaveri sotto una colata di asfalto del manto di una strada in costruzione.

Bobby e Ben rappresentano, fra l’altro, due estremi caratteriali all’interno della stessa famiglia di origine ebrea, che però non si scontrano mai fra loro, quasi fossero in fondo complementari l’uno all’altro. Di certo Bobby, che è un giovane onesto e di belle speranze, sensibile e dolce, con lo sguardo da ‘cervo abbagliato dai fari…‘, come gli sussurra ad un certo punto e con il sorriso sulle labbra la bella Vonnie, non è così ingenuo da ignorare che genere di attività svolge il fratello ed in che modo sia riuscito a diventare proprietario di un locale che presumibilmente ha richiesto l’investimento di tanti bei bigliettoni verdi, come spesso vengono definiti nel gergo i dollari.

Anche la madre Rose, qualche dubbio ce l’ha eccome sulle attività del figlio, ma quando Ben le regala millecinquecento dollari, quasi si trattasse di pochi spiccioli e spillandoli quasi distrattamente dal robusto mazzo di banconote che tiene in tasca, perché lei e il marito vadano a trascorrere una vacanza in Florida, lei fedele al motto che ‘…ci sono domande di cui non vuoi sapere la risposta…‘, le bastano due parole di rassicurazione del figlio perché non li rifiuti affatto, facendo finta di credere che siano il prodotto di un’attività lecita. Convivono spesso quindi nel cinema di Woody Allen la cruda realtà e la caricatura della stessa…(leggi il resto del commento cliccando qui sotto su ’Continua a leggere’)Continua a leggere…

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Libro: ‘Dracula (1897)’ e Film: ‘Nosferatu il Vampiro (1922)’ – ‘Nosferatu, Principe della Notte (1979)’ – ‘Dracula di Bram Stoker (1992)’

DRACULA

Di Bram Stoker

Anno di 1^ Edizione 1897; 1^ Edizione Italiana 1922

Pagine 624, Costo € 8,08

Ed. Giunti (collana ‘Y Classici’)

Traduttrice: Marianna D’Ezio

NOSFERATU IL VAMPIRO

Titolo Originale: Nosferatu, eine Symphonie des Grauens

 Nazione: Germania

Anno:  1922

Genere: Horror, Allegoria

Durata: 84’ Regia: Friedrich Wilhelm Murnau

Cast: Gustav von Wangenheim (Hutter), Max Schreck (Conte Orlok), Greta Schröder (Ellen Hutter), Alexander Granach (Knock), Georg H. Schnell (Harding), Ruth Landshoff (Annie), John Gottowt (Professor Bulwer), Gustav Botz (Dottor Sievers), Max Nemetz (Capitano del Demeter), Wolfgang Heinz (Primo Marinaio), Albert Venohr (Secondo Marinaio), Guido Herzfeld (Oste), Hardy von Francois (Medico dell’Ospedale)

NOSFERATU, PRINCIPE DELLA NOTTE

Titolo Originale: Nosferatu: Phantom der Nacht

 Nazione: Germania, Francia

Anno:  1979

Genere: Horror

Durata: 107’ Regia: Werner Herzog

Cast: Klaus Kinski (Conte Dracula), Isabelle Adjani (Lucy Harker), Bruno Ganz (Jonathan Harker), Roland Topor (Renfield), Walter Ladengast (Dr. Van Helsing), Carsten Bodinus (Schrader), Martje Grohmann (Mina), Dan Van Husen (Guardiano), Jan Groth (Comandante del Porto), Ryk de Gooyer (Funzionario), Clemens Scheitz (Ufficiale Giudiziario), Lo van Hensbergen (Ispettore), John Leddy (Cocchiere), Margiet van Hartingsveld (Donna di Servizio), Jacques Dufilho (Capitano)

DRACULA DI BRAM STOKER

Titolo Originale: Bram Stoker’s Dracula

 Nazione: USA

Anno:  1992

Genere: Horror, Sentimentale

Durata: 122’ Regia: Francis Ford Coppola

Cast: Gary Oldman (Vlad Ţepeş/Dracula), Winona Ryder (Mina Murray Harker/Elisabeta), Anthony Hopkins (prof. Abraham Van Helsing/Sacerdote Cesare/Narratore), Keanu Reeves (Jonathan Harker), Richard E. Grant (Dott. Jack Seward), Cary Elwes (Lord Arthur Holmwood), Bill Campbell (Quincey P. Morris), Sadie Frost (Lucy Westenra), Tom Waits (Thomas Renfield), Monica Bellucci (Prima Sposa di Dracula), Michaela Bercu (Seconda Sposa di Dracula), Florina Kendrick (Terza Sposa di Dracula), Jay Robinson (Sig. Hawkins), I.M. Hobson (Hobbs), Laurie Franks (Serva di Lucy), Maud Winchester (Serva), Octavian Cadia (Diacono), Robert Getz (Sacerdote), Dagmar Stanec (Suor Agatha), Eniko Oss (Suor Sylvia), Daniel Newman (Strillone)

TRAMA: A Jonathan Harker il suo datore di lavoro Hawkins affida l’incarico di recarsi in Transilvania perché lo sconosciuto ma facoltoso conte Dracula vorrebbe acquistare una dimora a Londra, dove ha intenzione di trasferirsi. Hawkins ritiene che possa fare al caso del cliente un’antica villa con una cappella sconsacrata e vasto giardino intorno, adiacente proprio all’abitazione di Jonathan. Il quale sta per sposarsi con Mina Murray, ma preoccupata per la distanza e le dicerie riguardo il luogo di destinazione, vorrebbe che il fidanzato declinasse il compito, mentre dal canto suo le prospettive di un lauto guadagno spingono Jonathan a partire senz’altro indugio. Il viaggio è lungo ed all’arrivo in Transilvania scopre che la superstizione degli abitanti locali è molto forte. Il solo pronunciare il nome di Dracula evoca paure ed allusioni raccapriccianti. Convinto che si tratta soltanto di dicerie, Jonathan prosegue il suo viaggio, ma quando giunge al castello e si trova di fronte al conte, si rende conto troppo tardi che la sua peggiore fama è veritiera. Dracula è davvero un essere immondo che di notte si nutre con il sangue alle sue vittime e di giorno giace dentro una bara, al riparo dalla luce. Non solo, assoggettate e sue complici, nel castello ci sono anche tre giovani donne vampiro. Jonathan non sa se ritenersi vittima di un incubo oppure di un infernale incantesimo. Perciò scrive ogni giorno un resoconto su un diario, perché possa essere utile anche a futura memoria, avendo inteso con terrore di essere prigioniero e vittima sacrificale del conte. Dracula lo costringe nel corso di un mese a scrivere lettere rassicuranti a Hawkins e Mina ed intanto si prepara a partire, nascosto dentro una delle cinquanta bare piene di terra da trasportare per nave fino a Londra. Jonathan si rende conto con raccapriccio di ciò che sta per accadere in Inghilterra se Dracula riuscisse nel suo proposito e cerca il modo di fuggire per anticiparlo, lanciare l’allarme ed impedirgli di attraccare. Mina intanto è andata a Whitby, una località sul mare, ospite della sua amica Lucy, che è contesa da ben tre pretendenti: lo psichiatra John Seward, il ricco texano Quincey P. Morris e Arthur Holmwood, prossimo a diventare Lord Godalming alla morte del padre. Quest’ultimo è il prescelto e Seward, per lenire la delusione amorosa, si concentra a tempo pieno nella sua professione, in particolare sul paziente R.M. Renfield che mostra stranissimi comportamenti alimentari ed accenna ad un ‘maestro che sta per venire’. Jane soffre di sonnambulismo e Mina si ritrova a vegliare su di lei perché non corra pericoli. Una terribile tempesta spinge la nave che trasporta le bare proprio nel porto di Whitby, seppure a bordo non c’è traccia dei marinai ed il comandante si è legato al timone prima di morire. Sul diario di bordo ha riportato la scomparsa, uno alla volta, dei suoi marinai, alcuni dei quali sostenevano di aver visto una terrificante figura sotto coperta. Un cane rabbioso intanto è fuggito dalla nave appena giunta in porto e Lucy, una notte che è affetta un’altra volta da sonnambulismo, esce addirittura di casa come seguisse un richiamo e diventa vittima del vampiro. Jonathan intanto è riuscito in maniera rocambolesca a fuggire dal castello e si trova, febbricitante ma salvo, in un convento di suore a Budapest. Mina riceve una lettera da una certa suor Agata che la invita a raggiungerlo ed appena si riprende, si sposano. Lucy invece è diventata sempre più debole ed il Dottor Seward, chiamato al suo capezzale, non trovando una causa evidente ad una così grave anemia, invia una richiesta di aiuto al professor Van Helsing di Amsterdam, suo mentore, il quale accorre immediatamente. Quest’ultimo ben presto intuisce la verità, ma nonostante alcune trasfusioni ed accorgimenti messi in atto affinché Dracula non possa più avvicinarsi a lei, infine Lucy viene vampirizzata in maniera letale assieme alla vecchia madre. Lucy in realtà è diventata una ‘non morta’ e fra l’incredulità di Seward, Quincey e del disperato Howard Goldaming, il professore Van Helsing li convince ad agire immediatamente, specie dopo aver letto sul giornale la notizia che alcuni bambini sono misteriosamente scomparsi nelle adiacenze del cimitero dove giace anche la tomba di Lucy. Così, dopo avere avuto riprova visiva della nuova natura di Lucy, i quattro uomini bloccano la sua tomba ed il giorno seguente, guidati dal professore, liberano l’anima della povera ‘non morta’, piantandole un paletto nel petto e mozzandole la testa. Dopo aver letto il diario di Lucy e la sua corrispondenza con Mina, Van Helsing si mette in contatto con la sua amica e Jonathan, così ha modo di leggere anche i diari di quest’ultimo. In essi risulta evidente che Dracula non è più in Transilvania ma è giunto in Inghilterra. Si tratta quindi di unire le loro forze per contrastarlo e distruggerlo, anche se ciò significa mettere a repentaglio le loro stesse vite. Il compito è difficile, rischioso e lungo. Inizia a Londra ma prosegue sino al castello in Transilvania, dove Dracula cerca di trovare rifugio e dove però bisogna fare i conti anche con i suoi  terribili alleati: le tre donne vampiro ed i lupi che rispondono ai comandi del loro padrone.  

VALUTAZIONE: un classico della letteratura fantastica che ha impressionato ed affascinato generazioni di intemerati appassionati e non, strutturato come un romanzo epistolare a più soggetti coinvolti. Nella mirabile prima versione cinematografica di Murnau il racconto ha assunto anche forti connotazioni allegoriche sulla nascente repubblica di Weimar e la deriva nazista. Il remake, quasi letterale nella trama, diretto egregiamente oltre cinquant’anni dopo da Herzog, ne riprende la vena espressionista e ne suggerisce inoltre le componenti esistenziali e sensuali. La trasposizione ultima di Coppola invece, permeata da uno stile marcatamente gotico, esalta i temi romantici della figura del più famoso vampiro della storia letteraria, con una fortissima carica sentimentale ed erotica. In ogni caso, un personaggio che, piaccia o no, impressionante o no, sintetizza metaforicamente le paure dell’uomo sull’ignoto, le sue ataviche ossessioni sull’aldilà in assenza della fede ed il timore di restare infine eternamente costretto a mezza strada fra la vita e la morte, senza speranze, calore ed amore.

Non so le generazioni ultime, ma perlomeno la mia e quelle immediatamente precedenti e successive credo siano state fortemente impressionate dalla figura fantastica ed inquietante di Dracula, uscita dalla penna di Bram Stoker, il quale con l’opera omonima, a detta di molti, ha realizzato il suo capolavoro letterario ed ha ispirato in campo cinematografico numerose versioni incentrate sulla figura del celeberrimo vampiro, in epoche anche molto distanti fra loro e con risultati e stili profondamente diversi. La stessa trama descritta qui sopra si riferisce al romanzo, perché nei tre film presi a campione, fra i molti realizzati a proposito del famigerato conte, le divagazioni, le modifiche, anche sostanziali e persino le interpretazioni o premonizioni storiche in forma di allegoria, sono molteplici.

…Sua moglie ha un bellissimo collo…‘ (da ‘Nosferatu il Vampiro‘ di F.W. Murnau)

Su Youtube è interamente visibile l’opera muta ma tuttora sorprendentemente affascinante, che il regista tedesco Friedrich Wilhelm Murnau ha realizzato nel 1922, con Max Schreck nei panni del conte Orlok. Un film che, rivisto oggi e nonostante sia passato quasi un secolo dalla sua realizzazione, colpisce ancora per l’eleganza formale, l’equilibrio e l’efficacia narrativa, le atmosfere inquietanti, le puntuali didascalie, la tecnica di ripresa ed il gusto della prospettiva. Anche se il regista abbia dovuto necessariamente sintetizzare, oppure sorvolare, alcuni aspetti narrativi del romanzo, aggiungendone però altri non meno intriganti e significativi. Un libero adattamento, come suol dirsi.

E pensare, che soltanto un miracolo ha consentito a questa pellicola di giungere sino ai nostri giorni perché, seppure Murnau abbia usato nomi e luoghi diversi da quelli del romanzo, per non essere costretto a pagare i diritti relativi, come sostengono alcuni; oppure perché gli eredi di Stoker non gli volevano concedere l’autorizzazione a girare il film, dicono altri; la causa che gli stessi gli hanno intentato, per le evidenti analogie della pellicola con il racconto scritto, si è conclusa con una condanna della stessa al rogo. Solo poche copie, inclusa una, per fortuna nascosta e conservata dallo stesso Murnau, sono giunte sino a noi e ci permettono di poterne ammirare l’espressività delle sequenze ed il loro evidente significato allegorico, al di là delle ragioni insite nel contenzioso. Quella proposta qui di seguito, sembra la versione più completa, posseduta da un collezionista tedesco, Jens Guetebrueck, a differenza di altre che durano dieci ed anche venticinque minuti di meno. 

Sulla figura di Dracula, come accennavo precedentemente, la cinematografia conta molte versioni e tipologie: da ‘Dracula‘ di Tod Browking, interpretato da Bela Lugosi del 1931, a ‘Vampyr‘ di Carl Theodor Dreyer del 1932, che completano con il ‘Nosferatu‘ di Murnau una trilogia, la prima sul tema dei vampiri; dalla celebre serie della casa cinematografica di produzione inglese Hammer che in ‘Dracula il Vampiro‘ del 1958 e ‘Dracula, Principe delle Tenebre‘ del 1966, inframmezzate da alcune altre opere sullo stesso soggetto, vede emergere la statuaria figura di Christopher Lee; alla rappresentazione ironica di Roman Polanski in ‘Per Favore, Non Mordermi sul Collo!‘ del 1968 e via di questo passo. Insomma, a voler approfondire il tema, c’è da perdercisi, sia nel cinema che in letteratura, sino ad arrivare a forme più popolari, sentimentali e decisamente ‘aggiustate’ nelle specifiche vampiresche, incluse evidenti finalità commerciali, della serie di romanzi ‘Twilight‘ di Stephenie Meyer, trasposta a sua volta al cinema, oppure a caratterizzazioni grottesche come il nostrano ‘Fracchia contro Dracula‘ di Neri Parenti del 1985.

Nosferatu è un nome che ha varie origini: dallo slavo ‘nosufur-atu‘, a sua volta derivante dal greco ‘nosophoros‘ che significa ‘portatore di calamità‘, al rumeno ‘nesuferitu‘ riferito ad una persona maledetta. Bram Stoker nel suo romanzo utilizza ampi cenni storici per collocare l’origine del personaggio di Dracula, che il regista Francis Ford Coppola ha poi in parte ripreso, adattandoli a sua volta. La zona di origine viene così descritta da Jonathan Harker nel suo diario, durante il viaggio in treno per raggiungere il castello del conte Dracula: ‘… si trova all’estremità orientale del paese, al confine fra tre stati, la Transilvania, la Moldavia e la Bucovina, proprio al centro dei monti Carpazi: si tratta di una delle zone più selvagge e meno conosciute di tutta l’Europa…‘. E riguardo le popolazioni che le abitano, così prosegue, a riassumere le informazioni che ha raccolto prima di partire: ‘…gli abitanti della Transilvania appartengono a quattro nazionalità diverse tra loro: a sud si trovano i Sassoni, mescolati ai Valacchi, che a loro volta discendono dai Daci. Poi ci sono i Magiari a ovest e i Siculi d’Ungheria sia a est che a nord. È lì che sono diretto, tra i Siculi ungheresi, i quali sostengono di essere i discendenti di Attila e degli Unni…‘.

Lo stesso conte poi completa il quadro etnico vantando origini che risalgono addirittura ai vichinghi: ‘…proprio qui, nel crogiolo dei popoli d’Europa, la tribù degli Ugri ha portato con sé dall’Islanda lo spirito ribelle ricevuto da Thor e Odino e i loro feroci guerrieri ne hanno dato prova con incredibile violenza su tutte le coste d’Europa e oltre, fino in Asia e in Africa, al punto che trovandoseli di fronte le popolazioni locali pensavano che fossero arrivati i lupi mannari…‘. Per chiudere infine il cerchio d’ispirazione genealogica dicendo che: ‘…i Siculi d’Ungheria, e con loro i Dracula che sono il sangue che fa battere il loro cuore, e i loro cervelli, e le loro spade, possono ben vantare gli onori di gesta che stirpi cresciute troppo in fretta come gli Asburgo e i Romanov non potranno mai eguagliare. I giorni della guerra sono finiti. Il sangue è troppo prezioso in questi tempi di pace senza onore, e la gloria delle grandi casate ormai è solo una storia già raccontata…‘…(leggi il resto del commento cliccando qui sotto su ’Continua a leggere’)Continua a leggere…

Film: ‘I 4 Figli Di Katie Elder’

I 4 FIGLI DI KATIE ELDER

Titolo Originale: The Sons of Katie Elder

 Nazione: USA

Anno:  1965

Genere: Western

Durata: 122’ Regia: Henry Hathaway

Cast: John Wayne (John Elder), Dean Martin (Tom Elder), George Kennedy (Curley), Michael Anderson Jr. (Bud Elder), Martha Hyer (Miss Mary Gordon), Dennis Hopper (Dave Hastings), Earl Holliman (Matt Elder), Jeremy Slate (Vice-sceriffo Ben Latta), Paul Fix (Sceriffo Billy Wilson), James Gregory (Morgan Hastings), Strother Martin (Jeb Ross), Sheldon Allman (Harry Evers), John Litel (Minister), Strother Martin (Jeb Ross), James Westerfield (Mr. Vennar)

TRAMA: In occasione del funerale di Katie Elder a Clearwater si ritrovano dopo molto tempo i suoi quattro figli, il più anziano dei quali è John, un pistolero e l’ultimo, Matt, è ancora molto giovane. Katie era una donna indipendente ed altruista, capace e stimata da tutti, che ha pensato persino di mettere da parte i soldi per il suo funerale, per non pesare su nessuno. Il ranch che un tempo era di proprietà degli Elder è però finito in mano del cinico Morgan Hastings, il quale lo ha trasformato nel frattempo in un negozio di armi, espandendo le sue proprietà terriere in previsione di una futura speculazione nella zona. Sembra che il padre dei quattro figli si sia giocato a carte il suo ranch, mentre era sbronzo come suo solito e la stessa notte è rimasto ucciso in circostanze mai chiarite. Katie però non aveva messo al corrente i figli dell’accaduto, onde evitare che potessero mettersi nei guai per farsi giustizia. John insospettito dalle reticenze dello sceriffo Billy, inizia ad indagare assieme al fratello Tom e fra l’altro scoprono che la madre si era messa in contatto con un allevatore di cavalli e l’aveva così positivamente colpito, da accettare di affidarle a credito una mandria di duecento capi. Il suo obiettivo era quello di rivenderli per trovare i soldi necessari per mantenere agli studi il figlio Matt. L’affare però non è mai andato a buon fine perché Katie è morta nel frattempo ed allora i figli, per onorarne la memoria, propongono allo stesso allevatore di portare a termine l’impresa. Nel frattempo Hastings ha assoldato un killer, Curley, temendo la reazione di John. Lo sceriffo, preoccupato che s’inneschi una escalation di violenza, vorrebbe che quest’ultimo se ne andasse al più presto, mentre il vice sceriffo Jeremy è giovane e impulsivo ed ha scoperto che Tom Elder è ricercato per omicidio. Per evitare una sparatoria, il vecchio sceriffo Billy si reca lui stesso a casa degli Elder per arrestare Tom, ma Hastings coglie l’occasione per tendere un agguato a quest’ultimo, uccidendolo proprio davanti alla casa dei fratelli Elder. I quattro fratelli però nel frattempo sono andati a ritirare la mandria dei cavalli e quindi non erano in casa quando è avvenuto l’assassinio. In paese l’uccisione dello sceriffo crea sconcerto e collera fra gli abitanti, aizzati da Morgan Hastings. Viene così organizzata una battuta, durante la quale i quattro fratelli sono raggiunti e facilmente costretti ad arrendersi, anche perché all’oscuro dalle accuse per la morte dello sceriffo. Condotti in carcere nella stessa Clearwater, subiscono le invettive della folla riunita fuori, nella quale monta sempre più la rabbia ed il desiderio che venga fatta giustizia. Per evitare che l’assembramento si trasformi in un linciaggio, il vice sceriffo Jeremy si convince infine a condurre i prigionieri a Laredo perché siano giudicati dallo sceriffo della contea. Hastings però non è della stessa idea e punta ad eliminare definitivamente i fratelli Elder e con essi gli ostacoli alle sue ambizioni. Organizza perciò un agguato che però non ottiene i risultati sperati, perché John, intuito cosa sta per succedere, riesce a saltare per tempo dal carro dove è seduto incatenato con i fratelli e bloccato appositamente su un ponticello lungo un corso d’acqua, un attimo prima che un’esplosione con la dinamite lo faccia crollare. Ne consegue una sparatoria, con il vice sceriffo, rimasto all’oscuro della trama, che viene disarmato dagli uomini di Hastings e poi ucciso dallo stesso sotto gli occhi impietriti del figlio Dave. Jeremy infatti, avendo inteso di essere stato vittima di un raggiro, stava per unirsi alla difesa dei quattro fratelli. I quali sono riusciti ad impossessarsi di una cassa di armi e rispondono al fuoco da dietro le macerie del ponte crollato. Bud Elder però è rimasto ucciso a causa dello scoppio ed anche il killer Curlin viene colpito a morte da John, mentre Matt è ferito a sua volta. I sopravvissuti all’agguato, temendo il peggio, a quel punto fuggono, ma John per far curare il fratello da un medico non esita a tornare in paese, dove è inevitabile la resa dei conti con Morgan Hastings.        

VALUTAZIONE: nella fase che segue i grandi capolavori dei western classici alla John Ford e precede quelli della rivisitazione (Sergio Leone e ‘spaghetti western’ in primis) e del filone crepuscolare, Henri Hathaway, solido e poliedrico regista, ha realizzato un’opera che mantiene l’ossatura dei primi ma lascia anche presagire, nei secondi, la fine di un’epoca gloriosa ed un inevitabile mutamento interno allo stesso genere di appartenenza. Ne è uscito un film piacevole, a volte persino divertente sino alla caricatura, in altri momenti spettacolare e persino curioso, dato che tutto gira intorno alla memoria della donna del titolo, che è già morta. I personaggi sono quelli tipici, suddivisi per carattere, interessi e principi morali. La coppia John Wayne e Dean Martin funziona ancora a meraviglia.

Sarà pure una sterile curiosità ma a volte è inevitabile chiedersi le motivazioni che hanno spinto la distribuzione nostrana a differenziarsi dal titolo originale aggiungendo un numero, per quanto pertinente e neppure proposto in lettere, cioè ‘I 4 Figli di Katie Elder‘, rispetto a ‘The Sons of Katie Elder‘. Sarà per l’immagine della locandina, oppure per qualche altro oscuro scopo subliminale che non è facile ma neppure indispensabile comprendere, sia chiaro. Sta di fatto che il film di Henry Hathaway, prodotto nel 1965, lo si può considerare al tempo stesso appartenente a quelli a struttura classica, così come una sorta di avvisaglia di un cambiamento stilistico in atto, che di lì a breve si delineerà essenzialmente in due distinte correnti del genere western: quella della rivisitazione da un lato e quella del disincanto o del cosiddetto ‘crepuscolo’ dall’altro.

Girato fra Stati Uniti e Messico, in classiche location intorno a Durango, come San Vincente de Chupaderos, negli studi cinematografici di Churubusco a Città del Messico oppure in panorami spettacolari come El Saltito, con le sue tre maestose cascate che appaiono sullo sfondo, poco prima della lunga sparatoria a seguito dell’agguato fra il corso d’acqua ed il ponticello, il film di Hathaway propone ancora una volta la coppia di successo di ‘Un Dollaro d’Onore‘ e ‘El Dorado‘ di Howard Hawks (clicca sul titolo di diverso colore se vuoi leggere il mio commentoed alcune altre opere che li ha visti affiancati uno all’altro. Mi riferisco ovviamente a John Wayne e Dean Martin che in questa occasione sono i fratelli maggiori dei quattro figli, appunto, di Katie Elder.

Il titolo del film è curiosamente riferito ad una donna che non appare mai nel corso dello stesso perché la poveretta, per quanto ammirevole figura e stimata da tutti i suoi concittadini, nel frattempo è deceduta e di lei non rimane neppure una foto, ma solo un funerale al quale il figlio maggiore John sembra essere l’unico assente, atteso invano dagli altri tre alla fermata del treno, mentre in realtà lo vediamo assistere, non visto dall’alto di una roccia posta di fronte allo scarno cimitero e prima di ricongiungersi con i fratelli, agli ultimi atti della cerimonia ed all’elogio accorato del prete. L’atteggiamento circospetto e prudente è una scelta di John perché essendo un pistolero famoso vuole evitare, almeno davanti alla tomba della madre, di attirare l’attenzione di qualche provocatore in cerca di gloria. Scende soltanto quando tutti gli altri se ne sono già andati ed allo sceriffo che gli chiede perché sia entrato in paese dalla ‘porta di servizio’ e se teme qualche fastidio, risponde pacatamente: ‘…c’è sempre qualcuno che ne va in cerca. Clearwater non è diversa dalle altre città. Ma se c’è una cosa che non voglio, Billy, sono i fastidi…‘. La fama che lo precede infatti non è delle più lusinghiere, persino in quel paese abitato da poche anime dal quale in fondo proviene.

Il comportamento dei quattro figli, specie i primi tre, nei confronti della loro madre non si può di certo dire che sia stato esemplare. La povera Katie Elder ne andava lo stesso orgogliosa di loro ma spesso mentiva dicendo che riceveva soldi e lettere che in realtà non arrivavano mai. La sua amica Mary Gordon lo rinfaccia senza tanti giri di parole ai quattro i fratelli, quando li raggiunge a bordo di un calesse nella casa in cui la loro madre aveva trascorso gli ultimi mesi della sua vita. Katie aveva espresso a Mary il desiderio che portasse loro del cibo quando fossero tornati e lei aveva acconsentito per il rispetto e l’affetto che provava per quella donna. La quale era solita dire: ‘…Il Texas è una donna, una bella, magnifica donna selvaggia. Si alleva un figlio e, appena è grande abbastanza, arriva il Texas che gli bisbiglia all’orecchio con un bel sorriso: “vieni via con me e divertiamoci”. È già difficile allevare i figli, ma quando c’è di mezzo il Texas una madre non può farcela…’(leggi il resto del commento cliccando qui sotto su ’Continua a leggere’)

Nonostante fossero passati nel frattempo già sei mesi, John ignorava che la madre avesse dovuto lasciare il ranch di famiglia perché il loro padre lo aveva perso giocando a carte, come sostiene Morgan Hastings ed era stato ucciso quella stessa sera, in maniera troppo sospetta per definirlo un caso. Lo sceriffo Billy non è stato in grado di scoprire il colpevole, seppure non era poi così difficile immaginare chi potesse essere, forse per vigliaccheria o semplicemente per quieto vivere nei confronti dell’oramai dominante Hastings. Una curiosità riguardo il figlio Dave di quest’ultimo, interpretato da un ancora giovane Dennis Hopper.

John Wayne invece interpreta il personaggio che porta il suo stesso nome ma con misurata pacatezza e prudenza, diversamente dalla carismatica figura de ‘L’uomo Che Uccise Liberty Valance‘ oppure dal cocciuto padre de ‘Il Fiume Rosso‘ o l’irriducibile inseguitore dei pellerossa ne ‘Sentieri Selvaggi‘ (la prima e l’ultima opera sono state dirette da John Ford, mentre quella di mezzo da Howard Hawks). Forse la responsabilità, pur tardiva, del ruolo di fratello maggiore che diventa una sorta di padre alla morte di entrambi i genitori, lo spinge ad essere cauto, pur essendo un pistolero al quale il fratello minore Matt chiede subito con curiosità mista ad ammirazione quanti uomini abbia ucciso. John evita al funerale della madre di offrire il fianco ad eventuali speculatori. E difatti risponde con le armi soltanto per difendersi dal proditorio agguato durante il quale il fratello Bud resta ucciso e Matt seriamente ferito.

E’ un mutamento di ruolo, che non incide sulla sua autorevolezza ma che testimonia, al di là del film in oggetto, come certi tratti della sua figura di cowboy, di vagabondo e giustiziere siano oramai inevitabilmente tramontati, al pari di quella di uomo tutto d’un pezzo che per anni ha rappresentato in molti film western. Anche se il personaggio e la struttura del film proposti da Henry Hathaway comunque mantengono molte delle peculiarità che hanno generato l’epopea del genere di appartenenza. Un canovaccio, per intenderci, che non disdegna ad esempio le battute argute e divertenti, nonostante la brutalità di molte situazioni e la palese rozzezza dei protagonisti rappresentati. I momenti che a volte sono al limite della comicità. Le belle donne che vivono in paesi sperduti e misteriosamente non si sono ancora maritate, anche se non sono più giovanissime, ma che non si fanno intimidire dagli uomini, neppure quelli che si portano appresso la fama di duri e che spesso si rivelano totalmente imbranati a gestire i rapporti con il gentil sesso, quanto al contrario sono abili invece con le pistole ed a sbrigarsela nelle scazzottate e nei duelli con i fuorilegge; poi ovviamente se ne innamorano. Oppure lo scapestrato e fallito di turno, ma in fondo buono, che non sa neppure lui di essere tanto coraggioso, il quale trova l’occasione di redimersi e riscattare la propria vita, sprecata sino a quel momento, interpretato in questo caso ed ancora una volta da Dean Martin. Infine ovviamente il prepotente di turno che si fa beffe della legge e si circonda di killers prezzolati che eseguono il lavoro sporco per lui, in barba allo sceriffo, il più delle volte succube oppure dallo stesso stipendiato.

Insomma non manca nulla ne ‘I 4 Figli di Katie Elder‘ delle caratteristiche che hanno determinato il successo del genere western classico, regalandoci perle ed autori che sono passati alla storia del cinema. Henry Hathaway non sarà fra i nomi più carismatici dei registi che hanno reso immortale questa tipologia di film, dai già citati John Ford ad Howard Hawks, da John Sturges a Fred Zinnemann, da Robert Aldrich a Delmer Daves ad Anthony Mann, da Sam Peckinpah e Sergio Leone, per citarne solo alcuni, ma è un autore che si è distinto in vari generi cinematografici con opere come ‘Rommel, la Volpe del Deserto‘, ‘Niagara‘ (che ha rivelato una certa Marilyn Monroe), ‘Il Bacio della Morte‘, ‘I Lanceri del Bengala‘, ‘Pugni, Pupe e Pepite‘ e nella parte finale della sua carriera ha girato una predominante di film western che oltre a quello in oggetto, annovera titoli significativi come ‘La Conquista del West‘, ‘Nevada Smith‘ e ‘Il Grinta‘ che è valso l’Oscar a John Wayne, con il quale peraltro ha girato un sostanzioso numero di film in carriera oltre a questo.

I 4 Figli di Katie Elder‘, escludendo l’originale premessa del funerale di un personaggio, per giunta una donna, che poi non appare mai nel corso di un film che appartiene ad una categoria quasi sempre votata al maschile, per il resto ha una trama abbastanza prevedibile, che rispecchia i canoni tipici, con il prepotente che fa il bello e cattivo tempo nel piccolo paese dove la legge, anche se non direttamente al servizio suo, è comunque impotente di fronte al suo strapotere, sinché non giunge, anche se non espressamente richiesto, l’uomo che con il suo carisma, coraggio e determinazione, restituisce dignità, libertà e legalità agli oppressi. Un personaggio a sua volta circondato spesso da una fama non irreprensibile, anzi spesso al limite se non addirittura al di fuori della legge, che però è animato da principi morali che trovano finalmente la loro consacrazione proprio in quell’azione di giustizia, di altruismo e di ripristino della legge.

In questo caso John e Tom agiscono per un’evidente ragione personale e gli abitanti di Clearwater non si mostrano mai benevoli nei loro confronti, anzi quando Hastings uccide il vecchio sceriffo Billy proprio davanti a casa loro mentre sono assenti, facendo apparire l’assassinio come se fosse opera dei fratelli (perché lo sceriffo era andato ad arrestare Tom avendo ricevuto comunicazione di un suo reato pregresso), i quattro hanno rischiato persino il linciaggio. Il regolamento dei conti finali quindi va a vantaggio della comunità del posto, anche se nessuno s’è ancora reso conto della verità, eccetto per ironia della sorte, proprio il figlio Dave di Hastings, che non immaginava che il padre fosse addirittura un assassino senza scrupoli sinché non lo ha visto uccidere a bruciapelo il vice sceriffo, a sua volta per molto tempo ostile agli Elder ma che ha avuto modo di ricredersi, seppure troppo tardi.

Il momento più divertente del film, battute a parte che ogni tanto risaltano pungenti, è la scazzottata fra i quattro fratelli che avviene seguendo il cosiddetto effetto domino: un tassello che colpisce quello successivo, facendolo cadere, quello seguente a sua volta e così via, naturalmente senza ferite evidenti per i quattro ed i danni sono limitati al massimo a qualche sedia rotta e una sgangherata porta sfondata. Dal punto di vista spettacolare invece sicuramente la lunga scena della sparatoria conseguente l’agguato al ponte sul corso d’acqua, in uno scenario naturale suggestivo, che coinvolge oltre a quattro fratelli anche numerosi altri partecipanti, quasi tutti al soldo di Morgan Hastings.

La fotografia di un solido professionista come Lucien Ballard e la colonna sonora di Elmer Bernstein (autore anche delle musiche de ‘I Magnifici 7‘ di John Sturges), seppure il motivo principale da lui composto, di coinvolgente impatto emozionale, alla lunga risulta utilizzato sin troppo frequentemente nel corso della trama, aggiungono prestigio ad un’opera che non possiamo considerare fra le maggiori del genere di appartenenza ma che non sfigura e si lascia vedere con piacere per gli amanti del western.

Siamo lontani dal lirismo di opere come ‘Il Cavaliere della Valle Solitaria‘ di George Stevens, dal rigore di ‘Mezzogiorno di Fuoco‘ di Fred Zinnemann o ‘Lo Sperone Nudo‘ di Anthony Mann, ma anche dal freddo cinismo celebrativo e dall’ironia degli ‘spaghetti western‘ dei tre Sergio nostrani, cioè Leone, Sollima e Corbucci. La distanza si fa poi siderale rispetto alle opere ed agli autori del cosiddetto ‘western crepuscolare‘, come ‘Gli Spietati‘ di Clint Eastwood, oppure quello che viene considerato il prototipo di questo sottogenere, ‘Il Mucchio Selvaggio‘ di Sam Peckinpah. Si veda quindi anche all’interno di un genere apparentemente definito, come il western, quante diramazioni è possibile trovare ed altre ancora se ne potrebbero citare, ma ognuna di esse ha caratteristiche proprie, pregi e la sua ragion d’essere, esattamente come quest’opera di Henry Hathaway.

Documentario: ‘Punto di NON Ritorno – Before the Flood’

PUNTO DI NON RITORNO – BEFORE THE FLOOD

Titolo Originale: Before the Flood

 Nazione: USA

Anno:  2016

Genere: Documentario

Durata: 96′

Regia: Fischer Stevens

Commento Parlato: Leonardo Di Caprio (doppiato da Francesco Pezzulli)

VALUTAZIONE: un significativo ed impressionante reportage sui cambiamenti climatici provocati dall’azione sconsiderata e dal menefreghismo interessato di alcune organizzazioni, multinazionali e stati. Le immagini e le parole degli intervistati testimoniano ciò che sta avvenendo, a dispetto dalla lentezza di chi dovrebbe agire concretamente o, peggio ancora, dai negazionisti che mirano solo al loro tornaconto personale. Al netto della pubblicità che questa iniziativa e l’incarico di ‘ambasciatore’ ricevuto dall’ONU hanno procurato a Leonardo Di Caprio, che però ci ha messo anche la faccia, la condivisione di questo documentario è utile, se ce ne fosse bisogno, per comprendere il valore della posta in palio e quindi premere su chi di dovere, anche attraverso il voto, almeno laddove è possibile, perché ne consegua l’indispensabile inversione di tendenza.

Chi mi conosce personalmente e chi frequenta da tempo questo blog ritengo che mi possa riconoscere, se non altro, lo sforzo di cercare di essere il più possibile equidistante, evitando posizioni, come si dice nei casi di peggiore estremismo, da ‘talebano’, nel commentare film, serie TV e romanzi, dai quali traspaiono inevitabilmente anche mie opinioni personali che superano, in senso stretto, l’opera specifica sulla quale scrivo il mio commento. 

Mi interessa molto il settore dei documentari naturalistici e non ho creato una apposita sezione soltanto perché ahimè tutto non si può fare, vedere e neppure scrivere, e quindi bisogna imporsi dei limiti, ma a volte capitano temi particolari di denuncia sui quali tacere diventa un boomerang, se non proprio una sorta di connivenza. Specie se, come in questo caso, in gioco c’è la salute del bene più prezioso che possediamo, in quanto esseri umani. Vale a dire il pianeta Terra che abitiamo, così ben descritto in tutta la sua bellezza e straordinarietà dalla Serie TV ‘One Strange Rock – Pianeta Terra’  (clicca sul titolo di diverso colore se vuoi leggere il mio commento), della quale mi sono sentito in dovere qualche tempo fa di esaltarne le qualità sotto tutti i punti di vista, uscendo perciò dagli ambiti circoscritti di questo blog. 

Una simile necessità si è ripresentata assistendo a questo documentario (interamente visibile su Youtube, cliccando sull’immagine qui sopra), che non è da considerare in un’ottica di pura contemplazione, di valutazione tecnica, di bravura attoriale o semplicemente di compiacimento per ciò che il credente riconosce a Dio nella sua rappresentazione attraverso Madre Natura, bensì perché ‘Punto di NON Ritorno – Before the Flood‘ mostra una serie d’immagini che parlano da sole e di prove inoppugnabili che richiedono azioni concrete già tardivamente e colpevolmente disattese. E purtroppo, rispetto alla data di realizzazione di quest’opera, che è del 2016, ci sono tuttora strati della società internazionale ed importanti uomini politici che continuano a fare orecchie da mercante, o peggio ancora a negare persino l’evidenza.

Le ragioni non dipendono né da ignoranza e tanto meno da superficialità, quanto semmai da una lucida malafede, fondata su interessi economici di parte, nello sminuire sistematicamente le prove inconfutabili fornite dalla scienza e dai segnali sempre più allarmanti che provengono in tutto il mondo sui cambiamenti del clima, irresponsabilmente attribuiti da costoro ai cicli della natura. Come d’altronde e nel nostro piccolo, alla data di questo fine ottobre 2018, abbiamo visto anche nella mia cara e natale Liguria, così come in altre regioni del centro Nord Italia, dai danni causati dal passaggio di un vero e proprio uragano, che non si può certo definire usuale a queste coordinate geografiche. Il quale segue eventi sempre più frequenti di calamità dovute a presunte ‘cause naturali’, seguendo il mantra dei ‘negazionisti’, oltre alle catastrofi che di suo, l’uomo contribuisce a creare, vedi ponte Morandi a Genova.

Il NON maiuscolo nel titolo quindi l’ho aggiunto io, per dare maggiore risalto al fatto che non si sta parlando di un effetto transitorio per il quale è sufficiente stringere i denti, lasciarlo passare e poi tornare alla normalità, ma qualcosa di ben più grave, che si verifica sempre più spesso in una escalation che, alla stessa stregua dell’estinzione di una specie animale, superato il punto di non ritorno, poi non c’è il modo di tornare indietro, di recuperare ciò che è andato perduto. Il documentario è prodotto, fra gli altri, da Leonardo Di Caprio, il quale ci guida con lucidità, efficacia e disponibilità a sentire anche le diverse ed opposte opinioni, in una sorta di tour degli orrori in giro per il mondo. Il celebre attore vuole rimarcare proprio questo aspetto, cioè il perseverare di tale azzardato gioco con il fuoco, per così dire, contando sull’illusione che il nostro pianeta possieda risorse illimitate di resistenza agli attacchi che da più parti ed in maniera sempre più estesa e proditoria gli vengono portati…(leggi il resto del commento cliccando qui sotto su ’Continua a leggere’).Continua a leggere…

Film: ‘Arriva un Cavaliere Libero e Selvaggio’

ARRIVA UN CAVALIERE LIBERO E SELVAGGIO

Titolo Originale: Comes a Horseman

 Nazione: USA

Anno:  1978

Genere: Western, Drammatico

Durata: 120’ Regia: Alan J. Pakula

Cast: Jane Fonda (Ella Connors), James Caan (Frank), Jason Robards (Ewing), Richard Farnsworth (Dodger), George Grizzard (Neil), Macon McCalman (Hoverton), James Kline (Ralph), James Keach (Emil Kroegh), Basil Hoffman (George), Clifford A. Pellow (Acquirente Bestiame), Mark Harmon (Billy), Jim Davis (Julie)

TRAMA: Ella Connors ha ricevuto in eredità dal padre un appezzamento di terreno che confina con uno ancora più grande di proprietà di Ewing, un uomo privo di scrupoli che ha abbandonato l’allevamento del bestiame per inseguire le sirene del petrolio che sembra sia estraibile dal sottosuolo della zona, ma intanto si è indebitato con la banca che era stata fondata da suo nonno. Ella è cresciuta come un cowboy, aiutata alla morte del padre dall’oramai anziano ma sempre fido Dodger. Anche per lei non è facile ogni anno ricavare il necessario per pagare i debiti con la banca, ma nonostante ciò non ha mai voluto vendere la sua terra (sulla quale, fra l’altro, scorre la migliore acqua della zona) a Ewing, al quale non consente di effettuare trivellazioni, anche se è proprio sotto il suo terreno che sembrano esserci le migliori prospettive riguardo il petrolio. Ella odia profondamente Ewing perché quando aveva solo sedici anni si era approfittato di lei ed allorché suo padre ne era venuto a conoscenza aveva ricevuto probabilmente un colpo decisivo per la sua salute e lei ne sente ancora il rimorso. Per resistere alla pressioni della banca, Ella ha venduto una piccola parte del suo terreno a Frank e Billy, due cowboys tornati da poco illesi dalla Seconda Guerra Mondiale, dove invece è morto l’unico figlio di Ewing. Per evitare di avere ulteriori concorrenti con i quali dover fare i conti, quest’ultimo ordina ad alcuni suoi complici di sistemare i due ultimi arrivati e mentre Billy resta ucciso, Frank se la cava, uccidendo a sua volta il sicario, ma rimanendo gravemente ferito. Soccorso il giorno dopo da Dodger e portato al ranch di Ella, la donna non si sottrae dal garantirgli ricovero e cure con l’intento però, che appena si sarà ripreso, se ne vada. Ewing raggiunge Frank e gli offre un assegno per cedergli la sua terra ed andarsene, che lui però rifiuta. Una volta guarito, si offre di ricambiare Ella aiutandola nel suo lavoro ma lei inizialmente rifiuta, poi accetta e Frank, giovane e forte dimostra a lei e Dodger quanto possa essere capace ed utile, permettendole di governare e far crescere la mandria di bestiame, anche quando Dodger, a seguito di una caduta da cavallo, muore. Ewing tenta in tutti i modi di rendere dura la vita a quelli che sono diventati fra loro nel frattempo due soci, roso anche dalla gelosia perché fra Frank ed Ella, che ha rifiutato più volte le sue proposte di matrimonio, nel frattempo è sbocciato qualcosa di più di un sodalizio di lavoro. Dopo qualche tempo Frank convince Ella a vendere il bestiame, cresciuto di numero e divenuto troppo complicata da gestire. Dopo una lunga e serrata trattativa con un acquirente, riescono ad ottenere un buon prezzo, abbracciandosi felici per l’affare concluso, appena uscito di casa. Quando Ewing non può più opporsi affinché la banca diventi proprietaria dei suoi terreni, decide di passare all’azione e di schiacciare quelli che lui definisce ‘i cani’ che gli stanno intorno. Sempre con l’aiuto dei suoi complici manomette l’aereo di Neil, l’uomo d’affari che prima lo ha finanziato e poi ha fatto il gioco della banca. Il velivolo precipita, ma come se si fosse trattato di un malaugurato guasto. Quindi convoca Hoverton, il direttore della stessa banca e lo uccide barbaramente. Si introduce infine nella casa di Ella ed aspetta il suo ritorno, mentre Frank è in città e dopo averle proposto un’ultima volta di sposarlo, al suo ennesimo rifiuto, la lega e la chiude nello sgabuzzino dove pende il cadavere sanguinante di Hoverton e quindi aspetta il ritorno di Frank. Ignaro a sua volta di quello che sta accadendo, quest’ultimo viene facilmente immobilizzato e rinchiuso a sua volta, svenuto, assieme a Ella e quindi viene dato fuoco alla casa. Ewing ed i suoi due complici, convinti di aver completato il lavoro se ne stanno andando, ma Frank rinviene e riesce a liberare anche Ella, quindi ad uscire dalla casa. Ewing ed i suoi complici se ne accorgono e tornano indietro ma Frank ed Ella armati di fucile riescono ad uccidere i tre attentatori. Anche se la casa è andata completamente distrutta, la ricostruzione sembra significare un futuro di speranza davanti a loro.   

VALUTAZIONE: western assolutamente atipico, una sorta di capitolo finale di una epopea, che Alan J. Pakula mette in scena con efficacia, pur mantenendo tutte o quasi le caratteristiche distintive del genere di appartenenza e nonostante gli allevamenti di bestiame stiano per essere sostituiti dai giacimenti petroliferi ed i cavalli dalle automobili, come mezzo di trasporto. Jason Robards, pur non essendo l’attore protagonista, si distingue nel confronto attoriale con James Caan e Jane Fonda, comunque splendida ed a suo agio in un ruolo per buona parte espresso a nervi tesi, mentre Caan interpreta un personaggio che è tagliato a sua misura. Un’opera che non aggiunge nulla al western classico, che non si può definire neppure ‘crepuscolare’, inevitabilmente lenta in alcuni momenti ed anche intuibile negli sviluppi, ma meritevole di rispetto ed attenzione. Il titolo italiano è inutilmente roboante ed ingannevole. 

Comes a Horseman‘ (un titolo originale molto più aderente alla figura del personaggio cui è riferito ed allo stile dell’opera, rispetto a quello ad effetto, scelto dalla distribuzione nostrana), è ambientato in una zona degli Stati Uniti posta fra il Colorado e l’Arizona, all’epoca della Seconda Guerra Mondiale, quando la Germania nazista stava per capitolare.

Una delle prime sequenze vede i due amici Frank (James Caan) e Bill (Mark Harmon) cavalcare allegramente, mentre conducono la loro piccola mandria di bestiame verso la terra che hanno appena acquistato da Ella Connors (Jane Fonda) e subito dopo fermarsi, con rispetto e partecipazione (togliendosi anche il cappello), al rumore degli spari di un drappello di militari proveniente da un promontorio non molto distante da loro, nel corso della cerimonia di tumulazione di un giovane soldato americano deceduto in guerra, rallegrandosi di essere tornati da Anzio sani e salvi. Qualcosa che non ti aspetteresti in un contesto completamente differente e rispetto allo stesso paesaggio intorno. La vittima era l’unico figlio del più grande proprietario terriero della zona, Jacob J.W. Ewing (Jason Robards), al quale i vicini, se così si può dire di un territorio a perdita d’occhio, esprimono le loro condoglianze, scorrendo davanti a lui uno alla volta prima di accomiatarsi. Inclusa Ella, seppure lo scambio degli sguardi fra lei e Jacob è glaciale, per quanto si sia sentita in dovere anche lei di partecipare al suo lutto. Ed ovviamente c’è una ragione pregressa.

Sembra l’ambientazione di un western classico, ma già al passaggio dei due cowboy con le loro bestie dentro un piccolo villaggio, sulla sinistra dell’inquadratura, quasi nascosta, appare un’auto parcheggiata. Ancora più in evidenza, quando la ripresa si apre dalla soggettiva di Ewing, si vede in campo lungo una serie di auto parcheggiate sullo sfondo di un panorama sconfinato ed ancora agreste ma nel quale è evidente che molti cambiamenti sono già avvenuti o stanno per avvenire rispetto all’epoca dei film interpretati da attori come John Wayne, James Stewart e Gary Cooper.

Il film di Alan J. Pakula è catalogato come western ma al tempo stesso non lo è più nella sostanza, nel senso che è ambientato in anni che hanno già ampiamente superato persino il crepuscolo dell’epopea resa famosa, fra gli altri, da grandi autori come John Ford, Howard Hawks, John Sturges ed anche il nostro Sergio Leone. Gli appassionati del genere di appartenenza possono forse essere tentati, nonostante ciò, di considerare questa opera ancora assimilabile a quel filone definito non a caso ‘crepuscolare‘, che annovera fra i suoi esempi più significativi film come ‘Il Mucchio Selvaggio‘ di Sam Peckinph, ‘Corvo rosso non avrai il mio scalpo‘ di Sydney Pollack, ‘I cavalieri dalle lunghe ombre‘ di Walter Hill, ‘Gli Spietati‘ di Clint Eastwood e quelli del suo stesso maestro e mentore Sergio Leone, il quale si pone come ideale spartiacque fra le due tipologie, se così si può dire.

Arriva un cavaliere libero e selvaggio‘ non si può però neppure annoverare in quest’ultima ‘corrente di pensiero’, perché è un caso a sé stante, di confine: un po’ western, un po’ dramma sociologico e generazionale dell’America post ‘Grande Depressione‘, teso a mettere in evidenza i mutamenti di una società nella quale i fucili e le pistole regolano ancora, in alcuni casi ed al di là della legge, alcuni conflitti personali ma nella quale il vincente, ammesso che sia dalla parte della ragione, è destinato comunque a rinunciare nel breve-medio periodo a ciò per cui ha lottato sino a quel momento ed il perdente, pur rimanendo tale per aver calpestato il rispetto dei principi di giustizia, pagando per ciò duramente, come nel caso di Jacob Ewing, viene comunque prontamente rimpiazzato da personaggi e lobby che in forme analoghe o anche formalmente diverse, hanno finalità persino peggiori. Vediamo perché.

La protagonista femminile, come si diceva, è Jane Fonda. Una donna indurita dalla vita, eppure indomita, ancora avvenente ma senza aver mai dato all’aspetto fisico la minima importanza e valenza per ottenere un qualsiasi vantaggio pratico. Una bellezza peraltro sempre nascosta e soffocata dentro gli abiti rustici del cowboy. D’altronde Jane Fonda (le cui origini affondano anche su lontane radici italiane, sia da parte del bisnonno genovese, che della madre i cui avi provenivano da Vicenza) negli anni sessanta era diventata un’icona sexy ma al tempo stesso e forse anche per non rimanere rinchiusa in quell’icona, era una donna impegnata in grandi battaglie civili. Le quali ben si sposano con il personaggio anticonvenzionale che interpreta nel film di Alan J. Pakula, regista che sei anni prima le ha permesso di vincere l’Oscar per ‘Una squillo per l’ispettore Klute‘ ed un anno dopo lo ha rivinto con ‘Tornando a casa‘ di Hal Ashby. Ella è cresciuta da mandriana ed indossando sin dalla più tenera età indumenti maschili perché nella proprietà del padre non c’erano tempo e soldi per le bambole e neppure per i sogni tipici di una ragazza di campagna…(leggi il resto del commento cliccando qui sotto su ’Continua a leggere’).Continua a leggere…

Film: ‘Il Lato Positivo – Silver Linings Playbook’

IL LATO POSITIVO – SILVER LININGS PLAYBOOK

Titolo Originale: Silver Linings Playbook

 Nazione: USA

Anno:  2012

Genere: Commedia

Durata: 117’ Regia: David O. Russell

Cast: Bradley Cooper (Pat Solitano), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Pat Solitano Sr.), Jacki Weaver (Delores Solitano), Chris Tucker (Danny), Anupam Kher (Dott. Cliff Patel), Brea Bee (Nikki), Shea Whigham (Jake), Julia Stiles (Veronica), John Ortiz (Ronnie), Paul Herman (Randy), Dash Mihok (Agente Keogh), Matthew Russell (Ricky D’Angelo), Cheryl Williams (Madre di Tiffany), Patrick McDade (Padre di Tiffany), Regency Boies (Regina), Phillip Chorba (Jordie), Anthony Lawton (Dott. Timbers), Patsy Meck (Nancy), Jeff Reim (Jeffrey), Fritz Blanchette (Fritzy), Ted Barba (Doug Culpepper), Tiffany Green (Tanya)

TRAMA: Tornato a casa ad un orario inaspettato, Pat Solitano ha trovato sparsi per casa vestiti e capi intimi, e poi la moglie Nikki dentro la doccia assieme ad un collega in atteggiamento esplicito. La reazione l’ha mandato fuori di testa ed ha menato così brutalmente il rivale che è stato poi costretto ad un ricovero presso un centro psichiatrico per curare quella che è stata diagnosticata, confermata da precedenti segnali, come una forma di bipolarismo. Che si sia ripreso completamente da allora non si può dire: parla a voce alta con se stesso; quando sente la canzone del suo matrimonio reagisce violentemente ed inoltre sveglia i genitori alle quattro di notte per discutere il finale di un libro di Hemingway che ha letto in modo compulsivo e non ha apprezzato. Nonostante ciò è determinato a recuperare il rapporto con la moglie ed appena può evita di prendere le pastiglie antidepressive che sostiene gli tolgano lucidità. Quando la madre dopo otto mesi ottiene il permesso di riportarlo a casa, lui è convinto di essere sulla strada giusta, nonostante i divieti ambientali, incluso quello di cercare ed avvicinarsi a Nikki che nel frattempo però ha venduto la casa e se n’è andata. Il padre Pat Senior non è molto convinto riguardo la sua guarigione ma considera il figlio un portafortuna quando guardano assieme in TV le partite di football americano della squadra degli Eagles, dei quali è un accanito fan e registra su videocassette le partite, sulle quali scommette pure cifre sempre più pesanti, nonostante abbia perso il lavoro. Allo stadio non può più andarci però, perché è considerato un tifoso pericoloso dopo aver partecipato ad alcune risse. Da quando è tornato a casa, Pat va spesso a correre per mantenersi in forma e scaricare le sue frustrazioni che cerca di convertire in positività. Un vecchio amico lo invita a cena e la moglie di quest’ultimo gli presenta la sorella, Tiffany, a sua volta appena uscita da una cura psichiatrica conseguente la morte del marito in un incidente, dalla quale ha reagito andando a letto con una dozzina di colleghi, sinché il suo capo l’ha licenziata. Durante la serata, Tiffany ha una brusca reazione ad alcune parole della sorella e chiede a Pat di accompagnarla a casa e poi si offre pure a lui, che però rifiuta dichiarandosi sposato e fedele alla moglie. Nei giorni successivi, mentre Pat mentre sta facendo footing, a sorpresa viene raggiunto da Tiffany che lo rimbrotta, lo stuzzica, sinché lui le chiede di farsi da tramite per consegnare una sua lettera alla moglie. Lei però in cambio gli impone di farle da partner in una gara di ballo. Nonostante Pat cerchi di negarsi, infine è costretto ad accettare. Si ritrovano così in un box arredato e coibentato da Tiffany stessa, dove Pat scopre gli effetti benefici che gli trasmette questo esercizio di concentrazione, di condivisione e di responsabilizzazione, anche se torna a casa stanco morto. La madre ed il padre sono sorpresi di vederlo così impegnato e positivo. Pat Sr., conoscendo Tiffany e la sua storia, vorrebbe che il figlio gli dedicasse più tempo per portargli fortuna con le partite degli Eagles. Intanto Tiffany gli consegna una lettera di risposta di Nikki e Pat non sa come interpretare il contenuto del testo di stampo interlocutorio. Una domenica suo padre gli chiede di andare a vedere la partita allo stadio, nonostante Pat gli dica che ha un’importante sessione di prova con Tiffany per mettere a punto alcuni passi in vista dell’oramai imminente gara di ballo. Ancora prima di entrare allo stadio però scoppia una rissa durante la quale Pat è costretto ad intervenire per salvare il fratello maggiore dai colpi di alcuni tifosi. Il risultato è che entrambi vengono allontanati dai poliziotti e quando tornano a casa il padre li accoglie come se ciò fosse la causa della sconfitta degli Eagles. Tiffany, che era rimasta invano ad aspettare Pat, lo raggiunge a sua volta ed a Pat Sr., che la tratta con sufficienza, mostra tutto il suo disappunto ma anche la sua competenza sportiva, convincendolo dati alla mano sull’assurdità delle sue conclusioni scaramantiche. Ne consegue una scommessa fra Pat Sr. e l’amico Randy che si tramuta poi in una martingala: nella partita degli Eagles contro i Cowboys, che coincide nei giorni successivi  al Natale con la gara di ballo, non solo la sua squadra dovrà vincere ma anche con un scarto di almeno dieci punti punti ed al tempo stesso la coppia Tiffany/Pat dovrà raggiungere almeno una valutazione della giuria di 5 su 10. Le sorprese però non sono ancora finite nel corso della giornata del 28 dicembre che pur promettendo un probabile insuccesso, diventa decisiva non solo per Pat Sr. ma anche per la coppia Tiffany e Pat Jr..        

VALUTAZIONE: una storia che inizia come un dramma di natura sociale, con una forte connotazione psicologica e comportamentale, per trasformarsi in seguito in una vicenda di riscatto e di rivincita, non solo sentimentale, dal finale prevedibile, ma che riesce miracolosamente ad evitare le sdolcinature e la retorica tipica del genere. Jennifer Lawrence ha vinto l’Oscar per questa interpretazione ma non meno convincenti sono Bradley Cooper e Robert De Niro. I dialoghi del film sono crudi a volte ma molto efficaci dal punto di vista del significato narrativo. Il film di David O. Russell per molti versi si rivela una piacevole sorpresa ed interessante anche dal punto di vista sociologico.   

E’ proprio vero che a volte capita d’imbattersi casualmente in un film dal quale non ti aspetti granché ed invece dopo un po’ ti ritrovi ad alzarti sempre più dalla posizione quasi sdraiata assunta sul divano di casa, scoprendo che la storia ed i personaggi che appaiono sul TV meritano ben altra attenzione e partecipazione. Innanzitutto, ma non solo quello, c’è il tema del bipolarismo che a volte affligge persone che mai ti aspetteresti ne siano affette e che magari salta fuori improvvisamente, in circostanze molto particolari, in alcuni casi ahimè anche drammatiche. Ne sa qualcosa Pat Solitano, il protagonista maschile de ‘Il Lato Positivo – Silver Linings Playbook‘.

Evitando di addentrarmi troppo in un ambito che è di natura psichiatrica e quindi va lasciato a chi ne è effettivamente competente, basti sapere in maniera molto semplicistica che il disturbo bipolare è una patologia che si può manifestare in alcune varianti ma più in generale comporta repentini cambi d’umore che portano chi lo manifesta a passare da stati di esagerata esaltazione ad altri di profonda depressione. Come se due distinte persone convivessero dentro una sola, anche in maniera latente ed il sopravvento dell’una sull’altra si scatena solo in particolari circostanze.

Ora, non conosciamo bene il suo regresso, se non per qualche ammissione dello stesso Pat di fronte al suo psicologo, ma di certo un forte e comprensibile choc lo ha subito quando è tornato a casa ed ha trovato la moglie e l’amante che se la spassavano dentro la doccia sulle note di una canzone che a lui ricorda il giorno del suo matrimonio. Qualcosa di violento è scattato in Pat e siccome il fisico non gli fa difetto, ha assalito il rivale e l’ha quasi massacrato di botte. Questo aspetto dormiente della sua personalità, seppure fortemente condizionato da un’evidente provocazione, è esploso in quel momento facendo emergere un disturbo bipolare, rispetto alla natura mite che l’aveva contraddistinto sino ad allora.

La degenza in una struttura psichiatrica e le medicine che è stato costretto ad assumere hanno assopito ma non pienamente risolto il deragliamento mentale che ha subito Pat. Nonostante ciò, è riuscito ad incanalare quel disturbo bipolare nel senso del titolo del film, tratto dal romanzo ‘L’orlo argenteo delle nuvole‘ di Matthew Quick. Il suo proposito infatti è molto chiaro: uscire da quel triste posto per riconquistare la moglie tenendo come barra del timone questo motto: ‘…sai cosa farò? Prenderò tutta questa negatività e la userò come carburante per trovare il lato positivo! È questo che farò! Non è una stronzata…Ci vuole impegno!…‘.

La madre riesce a farlo uscire dopo qualche mese, nonostante Pat non sia ancora del tutto a posto: parla ad alta voce con se stesso; legge in modo compulsivo i romanzi che gli aveva consigliato la moglie Nikki prima del fattaccio e poi di notte riemergono nella sua mente vari fantasmi, come il voler rivedere a tutti i costi la cassetta del video del matrimonio e mettersi ad urlare svegliando tutto il vicinato perché non la trova. Oppure presentarsi in camera dei genitori alle quattro di notte per spiegare loro la ragione per cui il romanzo ‘Addio alle Armi’ di Hemingway che ha appena terminato e l’ha scaraventato in giardino rompendo il vetro della finestra, ha un finale che lo ha molto deluso. Di giorno poi non va meglio: quando si reca dal suo psichiatra, nel rispetto delle regole stabilite per la sua libertà condizionata e quest’ultimo lo mette alla prova, invero un po’ provocatoriamente, dà in escandescenze quando sente diffondere in sala d’aspetto ancora una volta quella musica che ha udito in casa il giorno in cui è tornato all’orario ed al momento sbagliato…(leggi il resto del commento cliccando qui sotto su ’Continua a leggere’)  Continua a leggere…

Film: ‘Quasi Famosi’

QUASI FAMOSI

Titolo Originale: Almost Famous

 Nazione: USA

Anno:  2000

Genere: Commedia, Drammatico, Musicale

Durata: 122’ Regia: Cameron Crowe

Cast: Patrick Fugit (William Miller), Billy Crudup (Russell Hammond), Frances McDormand (Elaine Miller), Kate Hudson (Penny Lane), Jason Lee (Jeff Bebe), Anna Paquin (Polexia Aphrodesia), Philip Seymour Hoffman (Lester Bangs), Zooey Deschanel (Anita Miller), Noah Taylor (Dick Roswell), Michael Angarano (William Giovane), Jimmy Fallon (Dennis Hope), Jay Baruchel (Vic Munoz), Fairuza Balk (Sapphire)

TRAMA: San Diego, USA, 1969: William Miller ha undici anni e vive con la sorella maggiore Elaine e la madre. Quest’ultima è un’insegnante, molto protettiva, al limite dell’ossessione, affinché i suoi figli non finiscano in cattive compagnie o si facciano attirare dalle droghe che scorrono sin troppo facilmente in certi ambienti, anche giovanili e tanto meno dalle mode del momento. Elaine però si sente talmente oppressa dalle regole imposte dalla madre, che quando compie 18 anni se ne va di casa per andare a vivere con il suo ragazzo a San Francisco e lascia a William in dote una ricca collezione di dischi in vinile sui quali quest’ultimo costruisce una solida esperienza, appassionandosi alla musica rock di quei favolosi anni. Poiché scrive molto bene, quattro anni dopo le sue recensioni dei dischi sono pubblicate nel giornalino della scuola e le invia anche al rinomato critico Lester Bangs, direttore della rivista ‘Cleem’, il quale dopo averlo messo in guardia sui pericoli che corre, volendo entrare troppo giovane ed inesperto in quel contraddittorio e fagocitante mondo musicale, offre a William l’opportunità di scrivere un articolo per lui sul prossimo concerto di un gruppo di primo piano come Black Sabbath. Per via della sua età e conseguente aspetto fisico, William non viene preso in considerazione quando chiede di entrare nel ‘back stage’. Alcune ‘groupies’ che stazionano sul retro con lui, in attesa dell’arrivo del gruppo di supporto Steelwater, lo prendono in simpatia, in particolare una di loro, che si chiama Penny Lane. Quest’ultima, pur avendo un solo anno più di lui, in realtà sembra molto più navigata ed esperta. All’arrivo della band, nonostante i componenti si dichiarino ostili nei confronti dei critici musicali per precedenti giudizi negativi, William riesce ad attirarne l’attenzione con alcune argute affermazioni sulla loro musica e quindi ad entrare assieme ed assistere al concerto da dietro le quinte, di fianco alle ‘groupies’. Al termine della serata Penny Lane chiede a William se gli andrebbe di fare un viaggio assieme in Marocco e lui, seppure stupito, risponde di sì. Non passa molto tempo che la giovane accompagna William al ‘Continental Hyatt House’ di Los Angeles, un hotel molto frequentato dalle band e dalle rock star più famose, dove incontra ancora gli Steelwater ed osserva Penny Lane che, dopo aver catturato l’attenzione di Russell, si apparta con lui in una camera dove consumano un rapporto sessuale. Contattato dalla celebre rivista ‘Rolling Stones’, che ha letto le sue recensioni e lo crede molto più adulto, il direttore editoriale gli propone una ben retribuita collaborazione, che l’incredulo William accetta immediatamente. Il suo compito è di scrivere un articolo sugli Steelwater seguendone la tournée. La madre è preoccupatissima e gli impone di farle ogni giorno un paio di telefonate che la rassicurino, nel corso dei trasferimenti, che avvengono in un pullman a disposizione della band. Convivendo con la band e le ‘groupies’ che lo accompagnano nel corso delle varie date dei concerti, un po’ alla volta William diventa parte del gruppo e passa dalla simpatia per Penny Lane, ad una vera e propria cotta, senza avere però il coraggio di dichiararsi. Intanto cerca di raccogliere più informazioni possibili per il suo articolo, registrando un’intervista al cantante Jeff Babe ma senza riuscire a fare altrettanto con Russell, apparentemente il più disponibile, che invece rimanda continuamente il momento. Durante i lunghi tempi di viaggio emergono i conflitti caratteriali e le differenti aspirazioni dei componenti la band. Russell si sente più bravo degli altri e quindi sprecato a rimanere con loro, mentre il cantante, che inizio si considerava il leader, ora soffre la personalità del chitarrista, di gran lunga il più acclamato dai fan. All’arrivo a New York, dopo aver dovuto accettare dalla casa discografica un ‘manager del loro manager’, le ‘groupies’ vengono scaricate ad un altro gruppo, mentre agli Steelwater si ricongiungono con le loro fidanzate ufficiali e mogli. Penny Lane però non si rassegna e con mezzi propri giunge ugualmente a New York, prende una camera in hotel sotto falso nome e poi mette in imbarazzo Russell dentro un ristorante, allontanata però dal vecchio manager del gruppo. William insegue Penny Lane fuori dal ristorante sino all’hotel dove gli aveva rivelato che alloggia poco prima un amichetto, fan dei Led Zeppelin, il quale a sua volta ha viaggiato sin lì per incontrarli, e la trova in camera semi incosciente per una overdose di barbiturici. La sua immediata richiesta d’intervento di un medico, salva la vita alla ragazza, convincendo però William a chiudere con la tournée degli Steelwater, non prima di aver urlato la sua rabbia a Russell ed agli altri, durante un viaggio in aereo che sembra sul punto di trasformarsi in tragedia, per il cinico comportamento che hanno tenuto con le loro ‘groupies’, le quali erano, prima di tutto, le loro fan più sfegatate e fedeli. Ottenuto comunque il permesso di scrivere nel suo articolo quello che gli pare, si presenta alla rivista ‘Rolling Stones’ dove il referente che lo ha ingaggiato telefonicamente si rende conto finalmente della sua giovane età, ma trova comunque molto interessante il suo reportage. Chiesta però a Russell una conferma sul contenuto, lui lo smentisce e l’articolo non viene pubblicato. Di conseguenza, William viene messo alla porta. In seguito però una delle ‘groupies’ rimasta con gli Steelwater mette Russell, che già ha nostalgia di Penny Lane, di fronte alle sue responsabilità nei confronti della ragazza ed anche di William ed il chitarrista, pentito del suo atteggiamento, le telefona chiedendole l’indirizzo per raggiungerla. Lo attende però una sorpresa.  

VALUTAZIONE: un’opera che, pur nella sua semplicità, i limiti e le contraddizioni, è imperdibile per chi quegli anni ’70 li ha vissuti veramente, intorno alla musica rock ed anche per chi ne ha soltanto sentito parlare appartenendo a generazioni più recenti, ma ha l’opportunità di farsi un’idea in modo credibile dell’atmosfera frizzante di quell’epoca. In special modo cosa ferveva, appunto, intorno alla musica ed al sogno di molti di poter cambiare il mondo attraverso le canzoni, mentre per altri era un modo come un altro di fare soldi sfruttando l’onda creativa. Non si tratta quindi di un capolavoro, ma di un film di natura autobiografica dello stesso regista Cameron Crowe, che sorprende piacevolmente per lo stile rievocativo ma non retorico ed al tempo stesso simpatico e coinvolgente, accompagnato da una suggestiva ed ampia colonna sonora. La sceneggiatura dello stesso Crowe è stata premiata con l’Oscar.  

Il regista e sceneggiatore di ‘Quasi Famosi‘, Cameron Crowe, all’epoca del film aveva la stessa età del protagonista, l’undicenne William Miller. Facile perciò è immaginare che ci sia qualcosa di autobiografico in questa storia e difatti, leggendo la sua biografia, emerge almeno un’importante ed indicativa analogia: anche lui quando era molto giovane ha lavorato per un po’ come reporter della rivista musicale ‘Rolling Stone‘, un punto di riferimento del settore, già a quel tempo. Avendo quindi vissuto di persona un’esperienza del genere, Crowe ha le giuste referenze per inoltrarsi in alcuni  aspetti dei media di allora e l’esuberante ed impetuoso mondo musicale del rock di quegli anni ’70, inclusi i retroscena che, proprio per loro natura, sono spesso poco visibili al grande pubblico.    

Quasi Famosi‘ (traduzione letterale dell’originale ‘Almost Famous‘), titolo grazie al quale per la produzione nostrana è stato gioco facile riferirsi ad un ‘cult’ del 1980, cioè ‘Saranno Famosi‘ di Alan Parker (che invece in lingua originale era intitolato ‘Fame‘), sin dalle prime sequenze mostra toni che, pur senza nulla nascondere delle contraddizioni e delle problematiche, anche molto serie, di quel movimentato periodo e, soprattutto, delle conseguenze legate all’uso di anfetamine e degli acidi (oltre al sin troppo disinvolto sfruttamento delle cosiddette ‘groupies‘ – sull’uso corretto del plurale di ‘groupie‘ ci sono varie interpretazioni – da parte delle ‘rock star’ più in voga) i toni dicevo non sono mai troppo severi. Non si tratta insomma di un film di denuncia sociale.

Anzi, a partire dalla figura di Elaine, madre di William, interpretata da una sicurezza come Frances McDormand, spunti grotteschi vanno a braccetto con altri ironici in vari momenti del film e diventano elementi costitutivi fondamentali di un interessante e coinvolgente viaggio dentro un’epoca contrassegnata da grandi speranze ed aspettative, nonostante le atmosfere ahimè piuttosto datate oramai, espresse però in un struttura narrativa che spesso si dimostra divertente.

Già dai titoli di testa comunque, scritti a matita su un quaderno, forse simile a quelli che usano i reporter ancora oggi, con la cinepresa che si muove quasi fosse alla ricerca di qualcosa di specifico fra alcune cover di dischi ed oggetti vari sparsi su un tavolo, si capisce che questo è un film che non vuole essere soltanto celebrativo di un’epoca ma neppure convenzionale. Lo conferma la sequenza introduttiva, che vede il giovanissimo William, seduto nel sedile posteriore dell’auto di famiglia, discutere con la madre e la sorella (il padre non c’è più, è morto d’infarto) sui suoi anni effettivi. Che gli sono stati taciuti sino a quel momento, rendendolo in tal modo oggetto dello scherno dei suoi compagni, essendo più piccolo, anche di statura, avendo due anni di meno di quelli che credeva. La madre infatti gli ha fatto anticipare i tempi scolastici, ritenendo che se ne potesse avvantaggiare, avendo in mente per lui una carriera da avvocato, mentre Anita, la sorella maggiore, la accusa in tal modo di aver rubato a William una parte significativa di tempo dell’infanzia spensierata. Insomma, un bel conflitto generazionale, un tema che torna a galla a più riprese nel corso del film ma che al tempo stesso spiega come William sia cresciuto in un ambiente che gli ha ispirato precocemente uno spiccato spirito critico rispetto alla gran parte dei suoi compagni.

A proposito, la madre è un’insegnante di psicologia, ma riesce a farsi capire meglio dai suoi studenti che dai suoi figli. Specie Anita, che sta per compiere diciotto anni e non sopporta più di essere soffocata dalle critiche Elaine al conformismo dei loro coetanei, finendo per far sentire esclusi lei ed il fratello. Come quando Anita cerca di entrare di soppiatto in casa, nascondendo sotto il giaccone un disco di Simon & Garfunkel e la madre, più furba di lei nell’accorgersene subito, soltanto guardando l’espressione dei due artisti in copertina ne deduce che sono da evitare, perché si vede chiaramente che fumano erba, altro che le poesie dei loro testi.

Così, appena diventa maggiorenne, Anita esce di casa, ma lascia a William la sua collezione di dischi nascosta sotto il letto (‘…ascolta ‘Tommy’ – concept album di The Who, ndr. – ed accendi una candela e vedrai davanti a te il tuo futuro…’ gli sussurra in un orecchio, abbracciandolo, mentre se ne sta andando). Grazie a questo piccolo tesoro lui, nei successivi quattro anni, diventa un esperto di musica rock, capace di scrivere brillanti recensioni nel giornale della scuola e persino di dare giudizi con cognizione di causa sull’evoluzione o involuzione di una rock star, ad esempio su Lou Reed: ‘…mi piace le prime cose che ha fatto, nelle ultime vuole imitare David Bowie, invece di essere se stesso…’.

L’incontro con il noto critico musicale Lester Bangs, direttore della rivista ‘Cleem‘, interpretato dal bravo Philip Seymour Hoffman (premio Oscar come attore protagonista nel 2005 di ‘Truman Capote – A Sangue Freddo‘ di Bennett Miller) ahimè scomparso nel frattempo, al quale William fa pervenire le sue recensioni (dopo averlo osservato, ammirato e divertito un giorno, da dietro la vetrata di una radio locale, mentre disquisiva in maniera a dir poco eccentrica su alcuni artisti, stroncando Jim Morrison e preferendogli, considerandolo più vero e coerente, il gruppo dei Guess Who, ma infine metteva sul piatto del giradischi un ‘LP’ dello scatenato Iggy Pop), è illuminante per il giovane critico in erba (senza allusioni a quell’altro tipo…). Sarebbe anche poco incoraggiante, stando a sentire Lester, quando tenta di metterlo in guardia con questo verdetto: ‘…è un peccato che ti sia perso il rock’n’roll, è finito. Sei giusto in tempo per il rantolo della morte, l’ultimo singulto, l’ultimo annaspo…. William però non è tipo da demordere tanto facilmente ed infatti gli risponde che s’accontenta anche soltanto di quel poco che è rimasto. 

Lester perciò gli assegna, promettendogli un compenso di 35 dollari, l’incarico di scrivere in quattro cartelle un articolo sulla band dei Black Sabbath che si sta per esibire in città. Poco dopo, nonostante un attimo prima Lester sembrava volesse congedarlo, forse perché stanco di sentir dire anche a se stesso che molte volte si è riempito di anfetamine e persino di sciroppo per la tosse, quando scriveva di notte pagine su pagine, tanto per buttare giù qualcosa, sono entrambi seduti in un bar. Da professionista oramai disincantato che conosce tutti gli aspetti, i retroscena e le disillusioni del mestiere del critico e del mondo del rock, inclusa la frustrazione di aver vissuto all’ombra delle star, non sempre dotate di un talento migliore del suo, impartisce a William una sorta di lezione iniziatica, sui pericoli insiti in quell’ambiente, che valgono in buona parte anche nella vita in generale: ‘…una volta che andrai a Los Angeles avrai una barca di amici, saranno tutti falsi amici. Tenteranno tutti di corromperti, con quel tuo faccino onesto, ti diranno qualsiasi cosa. Ma non si può diventare amico delle rock star. Se vuoi essere un vero giornalista rock, prima di tutto pagano una miseria, però le case discografiche ti mandano i dischi gratis… Guarda che sarà una brutta storia, ti offriranno da bere, incontrerai delle ragazze, volerai con loro da un posto all’altro, ti offriranno la droga. Lo so che sembra una svolta, ma non saranno mai tuoi amici. Cioè quelli vogliono che tu disegni dei santini sul grande genio della rock star ma in realtà rovineranno il rock’n’roll e soffocheranno tutto quello che amiamo del rock’n’roll. E poi diventerà soltanto l’industria del più fico… Cioè, davvero sei arrivato in un momento molto pericoloso per il rock’n’roll. Ecco per me dovresti tornartene a casa e fare, che ne so, l’avvocato per esempio. Ma vedo dalla tua faccia che non lo farai…‘. Anche perché, come aveva detto lui stesso in precedenza: ‘… è la musica che ti sceglie…‘…(leggi il resto del commento cliccando qui sotto su ’Continua a leggere’)  Continua a leggere…